制定一个计划

如何把音乐理论变成自己的，如何利用它们是非常重要的。这使得这个理论既有趣又无趣。这个页面展示了在你开始学习音乐理论之前，你如何思考学习的顺序和数量，以及如何使用它们。

当然，随心所欲地做也完全没有问题，所以这里是为那些想要参考资料的人准备的。

有三样东西是音乐理论的创作活动的核心。

第三点是“研究”，这是最重要的一点。学习了理论之后，当您分析音乐与和弦时，您会有新发现。制作也是很好的温故的方式。因此，创作活动的理想形式是平衡这三个方面。

作为基本准则，一旦您掌握了创作歌曲的知识，就应该使用它来创作歌曲。如果您不厌倦于获取新知识并直接进入下一个节，那么您将失去给知识带来实质性和听觉感的机会。让我们控制前进的欲望并付诸交流、实践、研究。因为，虽然“知识”可以在短时间内填满，但是耳朵的能力，也就是“音感”，是一种身体能力，只能像运动一样不断积累。

因此在进行本篇的过程中，听到语言的解释后脑子里就会明白。但是当你听到样本声音的时候，你的耳朵并不清楚……这种“缺口”的产生是很正常的。所以，请把阅读和聆听看作是一个开始，而不是一个学习的目标。然后你可以把这些带回家去分析和创作。这样学习的一个周期就完成了。

本网站主要分为“和弦篇”、“旋律篇”、“节奏篇”。主要以难度为基础，按照称为“章”的分段进行划分。

每一章都有不同的主题，当你从一章转到下一章时，你在记忆和理论细节方面上升了一个层次。因此，我们设想在完成一个章节之后，有一个稍长的实践期。

在每一章的Archive页面中，你可以比内容页面更详细地阅读每一章和每一节的说明。你可以从头部菜单中访问Archive。

SoundQuest提出了一种自由场景系统的学习方式。也就是说，如何攻克每一个篇章：旋律篇、和弦篇、节奏篇，都是自由的。

但是，在旋律篇的第二章中有关于和弦篇的第一章的内容，在旋律篇的第三章中有和弦篇的第二章是部分前提知识等，在顺序上有一些限制。每章或每篇文章的开头都指出了这一点。

旋律篇一共五章、和弦篇一共八章、节奏篇一共两章，但你完全没有必要全部学习。正如我在序言中所说的那样，最好是按需学习。所以，首先，我想以一些流派为例，告诉你最终目标是什么。

对于没列举的流派，请从相近的流派来参考。

其实有很多流派只要学到各个篇的第一章就行。自由派音乐理论基础水平的知识也非常丰富，甚至每篇第一章加起来都有50篇左右的文章。这本身就是相当大的知识量了。

另外，自由派中没有禁忌，所以你不必说我不能走到某个地方就会不自由地结束。你可以轻松地开始，并在你想要的地方结束。

当然，这只是一个粗略的分类标准。例如，“游戏音乐”只标到第五章，但是如果您要创作管弦乐队的BGM，则一定要了解第七章。或者说，在电子音乐的世界里，为了设计新奇的音色，可能就要用到第五章和第八章所学的技巧。另一方面，如果你是想“吉他演奏”，只要和弦简单且歌词和旋律匹配，第一章的知识就足够了。毕竟，根据您要制作的音乐来决定。

例如，分析乐曲时遇到的基本上都是熟悉的技法，那么就可以暂停理论的学习了。毕竟，对每个人来说都不是正确答案，重要的是根据个人环境和目标，学习自己需要的东西。

有些章节在章节的开头提供了一个名为“测试”的页面。

测试是一个栏目，您可以以测试的形式查看该章节之前内容的落实程度。选择题、排序题、听力题等各种形式的音乐理论题都会出现。

这也是为了“有总比没有好”，为了继续阅读，在这个测试中获得高分并不是必须的。因为这是对前一章的复习，所以问题中也包括那些不直接涉及该章的内容。

正如我所说，知识可以很快掌握，但音感却不能很快掌握。所以“你可以做乐谱题，但听力完全不行”这种模式很普遍。在这种情况下，你可能会选择把音感放在角落里作为未来的长期任务，然后继续前进到下一章。当然，如果你不想通过考试来打分，那就不要参加考试。

基本上，这些内容是通过旋律、和弦、节奏的轮换来写出来的，先写每篇的第一章，再是每篇的第二章……从哪篇开始读是自由的。 但是一提到自由，反而会迷茫，不是吗？对于第一章来说，有一个被推荐的顺序，这个顺序是“节奏编→旋律编→和弦编”。

这已经很简单了，按照简单的顺序排列就是这样了。和弦篇是和弦的知识，有些偏难。如果你从熟悉的旋律和节奏开始，然后在习惯理论世界后再学习和弦，则应该可以减轻精神负担。

从那以后，我建议你从你感兴趣的部分开始，如果你觉得绊倒了，可以换换口味再读一篇。

这个网站上解说的音乐理论是针对所谓的“流行音乐”，而且在西方音乐理论之外还有很多理论系统……这个在序言我已经说过了。但是除了这个网站以外，还有很多其他的音乐创作的重要技能。

这可能是这些领域中最常见的。这个网站上关于“音乐理论之外”的内容非常少。这是因为作曲家本身对任何这些负责的程度因环境不同而不同，理论因流派不同而差异太大，而且任何一个理论都很深奥，需要有一整个网站专门讨论。

在流行音乐中，我们很熟悉“主歌/副歌”的区分比如说，嘻哈音乐中的“Verse/Hook”，EDM 音乐中的“Build/Drop”，爵士乐中的“Thema/ad live”，古典音乐中的“即兴表演”「提示部/展开部/再现部」的不同区分，在乐曲创作上有很大的差异。

如果是电子音乐，必须从如何组织乐器开始考虑。然而，即使已经确定了乐队或合唱团的编排，如何分配乐句和音域的可能性也是无限的。如果编排不顺利的话，就会发生“好不容易旋律好了，伴奏却乱七八糟的很微妙”之类的事情。

尽管编曲与和弦和节奏理论密切相关，但编曲在不同类型之间的差异太大，无法概括和归纳。 这就是为什么大多数编曲知识没有在一般的“音乐理论”书籍中涉及，而是在名称为“编曲技术”和“编曲技巧”的内容中涉及。

而且随着乐器数量的增加，作为音源时声音的空间配置和音量的平衡也会变得困难。这就是所谓的“混音”工作领域，音源的质量受到相关技能的极大影响。

如果你想通过自己演奏(or 键入)、编曲和混音来完成一首歌曲，那么你对器材的了解是必须的。如，如果你要创造一个鼓的短句，你最好对“鼓手如何使用四肢做什么”有一个清晰的了解。或者，如果你想让副歌的最后一句歌词在整个间奏中回响，你需要知道如何做到这一点，你需要知道如何使用编辑效果器。

而且在技术之前，使用多好的器材对于音乐的质量也有或大或小的影响，这是一个现实。

在古典音乐界有很多关于“曲式”和“编曲”的理论，你可以通过搜索“曲式”和“编曲”来发现专业的内容。

然而，与声音制作中的“音质”直接相关的混音和设备知识，一般不属于“音乐理论”的范畴。在这个领域有一种平衡感和时间分配是很重要的。

不管前进方式如何，最重要的是不要急。只有在实践中，知识才能成为你的一部分。如果要完全称霸本篇的话，一般要花4年的时间也不奇怪，这并不是说阅读本篇需要四年的时间，而是说如果你在平衡学习、分析和实践的基础上继续阅读，到结束的时候已经过了四年了，这是很正常的。只要你不急不慢地稳步前进，学习音乐理论并不难。让我们一步一步稳步前进。

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